Salvador Dalí: El hombre y el artista

Al oir el nombre Salvador Dalí, lo primero que viene a la mente de la mayoría es un reloj derritiendose, una jirafa en llamas o la imágen de un hombre exuberante y expresivo, con un bigotito respingado y largo. Pero, al dar un vistaso a su vida, vemos que, a parte de haber sido uno de los artístas más talentosos, también fue una persona con muchos problemas personales, que fue muy criticada por su excesiva teatralidad y su sobervia. Esto nos lleva a preguntarnos ¿Era Dalí realmente la persona que mostraba al mundo?

Dalí tuvo una infancia bastante turbulenta. Desde temprana edad, sus padres le dijeron que era la reencarnación de su hermano mayor, también llamado Salvador, que había muerto poco antes de nacer e incluso lo llevaban frecuentemente a visitar su tumba. Esto dejó una fuerte marca en el artísta, que creció convencido de que era la copia de su hermano. Además de esto, cuando solo tenía 16 años, su madre, a quién amaba profundamente, murió de cancer de útero y su padre contrajo matrimonio con su tía al poco tiempo. Su hermana afirmó que Dalí jamás aprobó esto y que desde ese momento su relación con su padre comenzó a deteriorarse.

Mostró un talento innato para el dibujo e ingreso Real Academia de Bellas Artes de San Fernando para recivir instrucción, donde llamó la atención de sus compañeros con su aspecto y carácter excéntrico. Lucía el cabello muy largo, con patillas, y se vestía con medias y polainas como los artístas victorianos. Su técnica era impecable, como podemos observar en una de sus obras realistas "Cesta de Pan", pero fue expulsado de la academia poco antes de sus exámenes finales por afirmar que nadie en ella estaba en capacidad de juzagarlo.

Un tiempo después, luego de tomar fama como artista e integrarse al movimiento del surrealismo, conoce a la inmigrate rusa que se convertirá en el amor de su vida y su musa, Elena Ivanovna Diakonovna, mejor conocida como Gala. Desde el incio su relación fue extremadamente inusual. Gala era 11 años mayor que Dalí, ya estaba casada con otro hombre y aún luego de divorciarse y contraer nupcias con Dalí, tuvo relaciones extramaritales con muchos hombres (incluyendo su anterior esposo), con las que Dalí se mostro de acuerdo. Se rumoraba que Gala era en extremo dominante, aunque actuo de forma muy efectiva como agente de Dalí, quién era de carácter muy disperso.

Esta relación no fue aprobada por el padre de Dalí, que consideraba el movimiento surrealista un foco de decadencia moral y a Gala, una mujer de mala vida. Luego de una fuerte discución, el padre de Dalí lo deheredo y le prohibió regresar a su casa, a lo que Dalí respondío lanzándole un preservativo lleno de su propio esperma y gritándole "¡Toma, ya no te debo nada!".

Poco después, también fue expulsado del grupo de artistas surrealistas, por no oponerse abiertamete a la dictadura de Franco o el nazismo. André Bretón consideró esto una cobardía y lo sometió a un "Juicio Surrealista" en el que se decidió que fuese expulsado del grupo, a lo que Dalí dió su famosa respuesta "Yo soy el surrealismo".

En mi opinión, si, Dalí era una persona egocéntrica y orgullosa, y su exuberancia si tenía la finalidad de llamar la atención. Pero esta era simplemente su forma de ser, que se veía reflejada en su arte y a pesar de todas las criticas que recivió, su talento siempre fue indiscutible. En palabras de George Orwell:

"Uno debería ser capaz de conservar en la cabeza simultáneamente las ideas de que Dalí era al mismo tiempo un excelente dibujante y un irritante ser humano. La una no invalida, o efectivamente, no afecta a la otra."

Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs

El arte se define como la toda actividad hecha por los humanos con el propósito de expresar sus sentimientos, opiniones e ideas de manera hermosa. Sin embargo, como he mencionado numerosas veces en este blog, no existe un solo esquema de belleza. Este varia con cada persona y evoluciona con el paso de los años. Lo que es bello para los de una época no lo es para los de otra. Por esto, a través de la historia, siempre ha habido un rechazo inicial contra aquellos que desafían el esquema de belleza de su tiempo.

El impresionismo es un movimiento artístico que dió origen a algunas de las manifestaciones artísticas más bellas de toda la historia, pero aquellos que lo iniciaron, como todos los que se atreven a salirse de la norma, fueron ridiculizados y rechazados por aquellos que no lograban comprender su estílo.

El primero de ellos fue Édouard Manet quien quiso romper con el esquema de lo clásico, evitando el detalle en las figuras, dando pinceladas irregulares y jugando con las sombras y los colores de una manera hermosa, pero inusual para la época. Presento algunas de estas pinturas ante la "Académie de beaux-arts", que las rechazaron, junto con las de algunos de sus colegas Berthe Moriot, Claude Monet, Camille Pizzarro, Paul Cézzane, Jea-Baptiste Renoir, Edgar Degas y Alfred Sisley.

Juntos, este grupo de artistas crearon un movimiento en contra de la censura de la academia y expusieron sus obras en lo que llamaron "El salón de los Rechazados". Los críticos visitaron esta exposición con el único propósito de mofarse de estos pintores "inexpertos" y de "una mujer". Estos críticos, aseguraban, que el grupo había creado esta exposición, no como una forma de dar a conocer el estílo de sus pinturas, sino como un intento inmaduro de imponerse a los verdaderos artístas "claramente superiores a ellos".

Un crítico en particular los tacho en burla como "impresionistas" por el título de una pintura de Claude Monet "Impresión: Sol Naciente". El grupo, sin embargo no hizo caso a la burla y sus miembros tomaron el nombre impresionistas como suyo.

Juntos formaron la Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs, un grupo que se dedicó a explorar nuevas formas de pintura y que dió origen a obras tan bellas como el Baile del Molino de la Galette de Renoir, La Mujer con el Parasol de Monet y Boulevard Mortmantre de Camille Pizzarro.

Las pinturas realizadas por los artistas de este grupo, que fue ridiculizado en sus inicios, son ahora icónos del arte de la época. Irónicamente son más conocidas que aquellas que si fueron expuestas por la academia y aclamadas por los críticos de la época. 

Otra prueba más de que no se pueden poner reglas al arte como no se le pueden poner reglas al alma y de la total relatividad del concepto de la belleza.

Simonetta Vespucci: La musa de Botticelli

Desde el inicio de la pintura, los artistas han utilizado a personas hermosas, especialmente mujeres, como inspiración para sus pinturas. El famoso pintor renacentista Sandro Botticelli no fue la excepción,  se inspiro en muchas de sus pinturas en una mujer de belleza singular: Simonetta Vespucci.

Simonetta Cattaneo de Candia nació en 1453 en la República de Genoa. Desde una edad temprana se la conocía en su tierra de nacimiento por su belleza y encanto, y a los quince años se caso con Marco Vespucci, un primo lejano del explorador Americo Vespucci cuya familia tenía buenas influencias en Florencia. Marco era vencino y amigo cercano de Botticelli, que quedo perdidamente enamorado de Simonetta. Según cuentan, su belleza era tal que se la conocía como la mujer más hermosa de Florencia y hasta los famosos hermanos Lorenzo y Giuliano Médici intentaron conquistarla.

Sin embargo, a penas un año después de que Botticelli la conociera, Simonetta murió de tuberculosis. Se dice que Botticelli, desdichado, intento recrear la belleza de su amor perdido en sus pinturas, tales como el Nacimiento de la Venus, Venus y Marte (donde supuestamente estan representados ambos), La Primavera y varios retratos "de una mujer" que guardan extremoparcido a ella.

El último deseo de Botticelli fue ser enterrado a los pies de la tumba de Simonetta a las afueras de la Iglesia de Ognissanti, el cual se le concedió.

No se sabe si la historia del amor no correspondido de Botticelli es cierta, pero aún si no lo fuese, es claro que la belleza de esta mujer debió grandiosa para que inspirara pinturas tan hermosas como lo fue el Nacimiento de La Venus.

 Y de eso se trata en arte ¿No? De capturar la belleza que percibimios, y muchas veces la belleza origina de cosas tan trágicas como el amor de Botticelli y la muerte de Simonetta.

Pintura Paleocristiana: Las imágenes que valían por mil palabras

Se llama Paleocristiano al estílo de arte que surgió con la aparición del cristianismo, durante el dominio romano. Se dividió en dos períodos: El de persecusión contra los cristianos y el de el cristianismo como religión oficial (que dió paso al más refinado arte bizantino).

El arte que surgió en el primer período es el que considero más facinante, ya que aunque no es tan estético o refinado como el arte romano, el significado y la utilidad que tenía en esa época era muy interesante.

Durante el período de persecución contra los cristianos, las obras artísticas tales como las esculturas, las pinturas y los grabados decorativos en las paredes eran utilizadas como decoración en las casas de los cristianos para identificarse entre si sin llamar la atención. Las catacumbas, que fueron utilizadas por los romanos para enterrar a los difuntos, se convirtieron también en sitios donde se relizaban rituales cristianos en tiempos de mucha persecución y en ellas podemos encontrar a su vez muestras de arte paleocristiano.

Las piezas artísticas era generalmente representaciones de escenas de la biblia, que parecían simple decoración para los romanos pero que para los cristianos eran símbolos faciles de reconocer. Algunos ejemplos son:

• Adán y Eva
• El Buen Pastor
• El Ciclo de Jonás
• Daniel y los Leones
• El orante
• Los Tres Hebreos en el horno
• El pan y el vino
• Los peces y el pan que Jesús multiplico

Como podemos observar en las imágenes, estas obras no eran, por decirlo de alguna manera "Bonitas". Las figuras no tenian detalle, no había mucha variedad de colores y no había mucha armonía en las composiciones. Esto se debe a que la belleza de el arte de este período no recae en como se ven las obras sino en lo que representaban para los cristianos que se veían obligados a ocultar su fe y en como ellos veían en ellas algo que los romanos ignoraban.

Por esta razón, aunque no considero bello el arte de este período en comparación al griego o al renacentista, me parece que el contexto en el que fue creado es facinante.

Bustos Romanos

   La escultura romana se caracteriza por sus formas suaves y realistas (de gran influencia griega). En ella se representan tanto seres mitológicos (dioses, heroes, seres sobrenaturales, etc) como hombres y mujeres. Sin embargo los Bustos de los emperadores y líderes son la clase de escultura que, en mi opinión, es más fascinante.
   Existían ocho tipos de esculturas en la Antigua Roma: las estatuas, los reliéves arquitectónicos, los sarcófagos, los juguetes, los camafeos, las estatuillas de culto privado y por último los retratos. Los bustos componen casi en su totalidad esta categoría.
   Consistían, como lo indíca su nombre en una escultura de el rostro y los hombros de una persona hasta el nivel de busto. Como el resto de la escultura de la Antigua Roma, se caracterizaban por su gran realismo y detallismo, y los materiales utilizados (al igual que en la Antigua Grecia) eran por excelencia el mármol blanco y el bronce.
    Se utilizaban para difundir o perpetuar la imágen de un emperador, noble o líder importante y como memoria funeraria para las familias acaudaladas, que generalmente lo acompañaban de una inscripción. En ambos casos el fin del busto era permitir a la familia de "esculpido" mostrar y celebrar su linaje noble.
    Estos bustos son obras de gran belleza y en mi opinión el estílo armonióso y de aspecto celestial de  estas esculturas, es lo que hizo que lograran su cometido de perpetuar a los emperadores y nobles que representan en la historia.

Belleza en mármol

La escultura griega, en especial la del período clasico, ha sido siempre una de mis favoritas. La suavidad y el realismo de las obras que representaban tanto a dioses como a mortales y el uso del mármol y el bronce es lo que le da ese aire mistico y celestial que tanto me atrae.

La concepción de belleza para los griegos era muy parecida a la que se tiene en la era actual, que es lo que, en mi opinión, le da tanta popularidad al arte griego en comparación con estilos de pintura y escultura menos populares tales como (según explique en una publicación anterior) el prehispánico o el babilonio. Se dice que un escultor, para conseguir una obra que reflejara perfecta belleza, tomaba los rasgos más bellos de las personas que veía en la calle y los combinaba para crear una escultura que reflejara algo semejante a la belleza de los dioses. También, el uso de mármol blanco y por sobre todo la manera en que el escultor lo moldeaba tan delicadamente que lograba captar hasta los detalles más sutiles de la figura humana, es lo que le da a estas obras su conocido aspecto angelical.

Por esto, la escultura griega, junto a la renacentista, es mi favorita y obras como "la Victoria de Samotracia", "La Venus de Nilo", "Afrodita de Cnido" y "Laoconte y sus hijos" tienen un lugar permanente en mi corazón.